domingo, 6 de diciembre de 2009

Paisajes para zarpar un día de Angulo


LAS VITUALLAS

La obra de un artista se refuerza o se desvanece a través del tiempo; al paso de las décadas o hasta los siglos, echan raíces, permean o se difuminan entre el resto de los hechos de la vida cotidiana del ser humano. Lo mismo puede suceder con la trayectoria de un creador; al paso de los años se confirma su madurez, se apuntala a sí misma o termina demeritando una vida de trabajo que no encontró sentido o dirección.
El caso de Aníbal Angulo, y procurando no caer en la obviedad de la importancia de su carrera, es de los primeros: de los que toman fuerza en sí mismos y se impregnan en la identidad de una comunidad; de los que se vuelven referencia obligada. El pilar de su trayectoria es la fotografía, inscrito ya en la historia fotográfica mexicana, tanto como autor, como “activista” en la formación de instituciones como el Consejo Mexicano de Fotografía.




En la época en que realizó mayor trabajo fotográfico fue un innovador y artista visual de vanguardia. A pesar de que hoy se le reconozca más como artista plástico, su trabajo actual no está desligado de su trabajo fotográfico, al contrario, podríamos encontrar una evolución y transformación en la que va soportando su trabajo actual con su propia historia. Se impone una labor de archivo y retrospectiva que nos enriquezca la visión de su trayectoria y nos facilite un análisis crítico y nutritivo. Finalmente es uno de los artistas plásticos más productivos y de los más importantes en la historia sudcaliforniana.


EL MUELLE

Paisajes para zarpar un día es el trabajo plástico más reciente de Aníbal (diciembre 2009); actual, como normalmente es su trabajo. Es decir, sin importar lo conceptual, figurativo o referencial que pueda ser, sus temáticas y preocupaciones siempre están ligadas a su presente, a su tiempo y espacio. En este caso, su preocupación por el paisaje.
Esta colección es un acercamiento formal a la interpretación del paisaje que lo rodea, que de pequeño lo cobijó y que ahora percibe afectado. Es un paisaje que Aníbal ha observado y vivido durante décadas, no es una mera observación superficial sino la aprehensión de una geografía ligada íntimamente con su vida personal. Hay un filtro temporal que aplica a su obra, virtud que sólo el artista con tantos años de trabajo puede utilizar.
No hay un cambio significativo respecto a sus trabajos inmediatos anteriores. Formalmente, la intención del trazo, la paleta de colores son similares, identificables de primer impacto. Pero hay una variante que lo enriquece: el paisaje se hace reconocible. Es decir, dentro de la abstracción alcanzamos a ver el mar, las rocas, la playa, el cielo… el movimiento. Con esta colección nos sorprende y además nos facilita la contemplación de su obra anterior.



En ese sentido me recuerda la última obra expuesta de Manuel Álvarez Bravo: Variaciones. Este fotógrafo, en la etapa final de su vida (a los 97 años) seguía siendo productivo, pero más importante aún, seguía siendo propositivo. En la serie Variaciones nos mostraba espacios íntimos desde un punto de vista que iba discriminando y acercándose casi al borde de la abstracción, o en sentido contrario. Así entendí el trabajo reciente de Aníbal: fue como dar unos pasos hacia atrás para salir de la abstracción de la cercanía y encontrar el paisaje más fácilmente reconocible, y de golpe, entendí mucho de su trabajo anterior con el que no había logrado conciliar (aunque entender más claramente las intenciones del autor no interfiere en la calidad del trabajo, pero sí en nuestra capacidad de asimilarlo). De hecho, gran parte de mi fascinación por el trabajo de Aníbal Angulo viene de esos baches en los que no coincido, no todas sus piezas me gustan, no creo que tenga el mismo dominio sobre todas las disciplinas sobre las que construye su trabajo, pero me atrapa el hecho de su búsqueda constante y su visión de ciento ochenta grados.


Esta nueva reinterpretación del paisaje en el que Aníbal se embarca me da la sensación de que no lleva brújula: para zarpar… un día, sin rumbo fijo, para perderse en esa línea interminable de la costa de la California que quiso ser isla. Este trabajo se convierte en un manifiesto sobre la propiedad, la transculturización, la invasión y el malinchismo sin necesidad de quemar banderas o de huelgas de hambre. Tiene claro el autor del poder y la influencia que tiene el trabajo artístico cuando se realiza con calidad, con coherencia y madurez; así que al mismo tiempo que muestra su paisaje atemporal, la playa en la que construyó castillos hace medio siglo, hoy nos lo restriega en la cara para convocarnos a su lucha por la propiedad emocional de la tierra.


LAS AMARRAS
“El arte es lo único que nos lleva de la animalidad a la espiritualidad” – dijo el autor en la ceremonia de inauguración. No coincido estrictamente con esa afirmación pero sí con la intención que lleva detrás; me parece que fue un llamado a los artistas a comprometerse verdaderamente con su trabajo y a asumir su importancia y sus consecuencias.



Aníbal Angulo es un artista que ya está más allá de probarse a sí mismo, con un trabajo congruente y de indiscutible madurez. Al asistir a una de sus exposiciones o encontrarnos con su obra debemos esperar total calidad, nada menos. Una trayectoria de décadas que ha convertido su trabajo en referencia obligada, en influencia viva y perfectible pero siempre en la vanguardia.










jueves, 24 de septiembre de 2009

hueco / del colectivo de/ser/tico


LA ZAMBULLIDA

“Este hueco no es el espacio vacío sino ese lugar que nunca podremos llenar” dijo Héctor Maldonado, miembro y coordinador del colectivo DE/SER/TICO.

Esta exposición nos presenta no una visión diferente de la fotografía sino una opción distinta sobre el proceso creativo y la representación e interpretación de mensajes personales a través de un código visual; te adentras en la exposición y no piensas en términos fotográficos, técnicos, sino que entras en un juego de emociones en el que expositor y espectador van encontrando puntos de coincidencia. La obra no te guía por un camino definido, no te plantea una secuencia ni un patrón; las obras por sí mismas y en conjunto mantienen una interpretación abierta para el que la enfrenta, como cuando dos amigos se sientan juntos, sin hablar, a mirar el horizonte.

hueco parte de un taller de Proceso Creativo Fotográfico, un acercamiento a la fotografía desde el otro lado, por la puerta trasera, digamos. Dejando a un lado tecnicismos, teorías, academia, para partir de la importancia del mensaje; finalmente los formalismos y la formalidad están cubiertos por oficio.

LA TRAMPA

¿Pero qué es lo que crea esas sensaciones? No se trata de una colectiva en la que cada autor escoge sus obras y las juntan, tampoco en la que un curador reinterpreta y reúne el trabajo para plantear su propia visión. El oficio de cada uno de los participantes en lo individual y el trabajo verdaderamente colectivo, de equipo, en la creación del proyecto, se perciben en la obra terminada.

hueco es un juego de intimidad que nos hace pensar no solamente en lo que vemos sino en aquello que no está, lo que no es obvio, lo que se siente por ausencia. Nos lleva en un viaje sin inicio y sin meta, no hay un orden cronológico porque esas sensaciones son constantes y su cambio, su transformación, también es constante. Podemos ver la muestra de un lado al otro, o viceversa. No interesan del todo las cédulas que nos informan del autor porque el conjunto es aún más fuerte. hueco es un recorrido por la médula espinal, son sensaciones que van de lo físico a lo emocional a lo mental: la intimidad de los pies, los trozos de cuerpos, los elementos los pedazos de realidad que reinterpretan los autores para enviarnos mensajes encapsulados.


El formato ayuda; finalmente la forma también es fondo. Es decir, por dificultades técnicas es difícil que nos enfrentemos a grandes formatos en fotografía a diferencia de la pintura. Sin embargo, la posibilidad existe y plantea recovecos diferentes, los tamaños también descontextualizan los elementos para crearnos conexiones diferentes y relaciones diferentes; significa una aventura lograr grandes formatos con eficiencia. Además, es difícil resolverlos técnicamente, el marco negro y el vidrio (o acrílico en su caso) no siempre son la mejor solución y sólo me queda esa duda como una piedrita en el zapato.

DE FRASES NO HUECAS

La exposición se acompaña de frases, construidas igualmente por los autores y sin relaciones directas con los productos visuales específicos, es decir, son más un manejo de la museografía que el conjunto de la obra. Hay un riesgo implícito en la combinación de códigos, la interdisciplina (lenguaje escrito y código visual), ya que cada uno tiene bases, estructuras y soluciones diferentes a un proceso creativo. Robert Doisneau dijo en una entrevista que la disciplina artística más cercana a la fotografía no era ninguna de las otras artes visuales sino la poesía (base para la reflexión de otro momento); y de alguna manera DE/SER/TICO toma ese principio y lo aprovecha. Museográficamente, para el manejo del espacio y el sentido de la vivencia, el resultado es conmovedor; para el análisis y disfrute de sus fotografías… prefiero quedarme sólo con eso, las imágenes.

DE/SER/TICO como colectivo es un ente más fuerte que sus autores, otro de esos cadáveres exquisitos que rompen la lápida y el epitafio para caminar con vida propia.

viernes, 14 de agosto de 2009

PROGRAMA FOTOSEPTIEMBRE BCS 2009


EXPOSICIONES



HUECO
Colectivo DE/SER/TICO (Sonora)

Galería de Arte Carlos Olachea
Unidad Cultural Jesús Castro Agúndez
Jueves 3 de septiembre, 20:00 hrs
Hasta el 30 de septiembre


LOS COLORES DE NUESTRO ENTORNO

Paleta "El Cerro Atravesado"
Fermín Reygadas

Galería de exposiciones temporales
Dirección de Culturas Populares e Indígenas
Altamirano E/5 de Mayo y Constitución
Viernes 4 de septiembre, 11:00 hrs
Hasta el 30 de septiembre

NATURALEZA PENINSULAR
Ganadores y seleccionados del concurso

Vestíbulo del Teatro de la Ciudad
Unidad Cultural Jesús Castro Agúndez
Navarro E/Altamirano y Héroes de Independencia
Viernes 4 de septiembre, 20:00 hrs
Hasta el 30 de septiembre


MICRO
Raúl González

Talco-Taller colectivo de diseño y arquitectura
Revolución #1035 E/Hidalgo y Morelos, Centro
Viernes 11 de septiembre, 20:30 hrs
Hasta el 11 de octubre,previa cita www.talco.com



YOLANDA ANDRADE. OBRA RECIENTE
Yolanda Andrade

Vestíbulo del Teatro Juárez
Belisario Domínguez E/16 de Septiembre e Independencia
Jueves 17 de septiembre, 20:00 hrs
Hasta el 8 de octubre



HORIZONTE INFINITO
Sandra Muñoz

Aeropuerto Internacional de La Paz
Carretera Transpeninsular km 13
Viernes 28 de septiembre, 19:00 hrs
Hasta el 18 de noviembre

LUCES DE MI TIERRA
Juan Manuel Pérez Castro

Sala de exposiciones de la Universidad Pedagógica Nacional
Francisco J. Mújica y Benito BeltránCol. Reforma (INDECO)
Lunes 21 de septiembre, 19:00 hrs
Hasta el 30 de septiembre

MÁS ALLÁ DEL SUELO
Marcia Maria Ortega Osuna

Bar Salsipuedes
Malecón A. Obregón E/Juárez y Allende
Sábado 26 de septiembre, 20:00 hrs
Hasta el 16 de octubre


TALLERES

PROCESO CREATIVO FOTOGRÁFICO:
UN CAMBIO EN LA MIRADA
Héctor Maldonado (Sonora)

Casa de la Cultura del Estado
Madero y Salvatierra
Lunes 31 de agosto a viernes 4 de septiembre
Horario 17:00 a 20:00 hrs
Artistas visuales en general
Costo: $250, cupo limitado

ESPÍRITU SANTO
Un día fotografiando la Isla
Carlos Navarro Serment

Práctica de campo, salida a la Isla Espíritu Santo
Sábado 5 de septiembre
Fotógrafos nivel intermedio o más
Costo: $250, cupo limitado

PAISAJE URBANO
Yolanda Andrade

Teatro Juárez
Belisario Domínguez E/16 de septiembre e Independencia
Lunes 14 de septiembre a viernes 18 de septiembre
Horario: 10:00 a 13:00 hrs
Fotógrafos nivel intermedio o más
Costo: $250, cupo limitado


ACTIVIDADES


OLEADA DE VIDA
Presentación del libro y muestra fotográfica de
Carlos Navarro Serment

Galería de Arte Carlos Olachea, Unidad Cultural Jesús Castro Agúndez

Viernes 4 de septiembre, 19:00 hrs

DE FOTOS Y FOTÓGRAFOS
Proyecciones y mesas redondas sobre el trabajo de fotógrafos mexicanos
BAR Salsipuedes
Malecón A. Obregón E/Juárez y Allende
Sábados 5, 12, 19 y 26 de septiembre; 3 de octubre, 20:30 hrs

TALLER FOTOSENSIBLE
Apertura del taller de fotografía de la Casa de la Cultura
Madero y Salvatierra

Entrega de Premios a Ganadores del Concurso

Galería de Arte Carlos Olachea
Miércoles 30 de septiembre, 18:00 hrs
CLAUSURA del festival

INFORMACIÓN

Inscripciones a los talleres en la Galería de Arte Carlos Olachea en la Unidad Cultural Jesús Castro Agúndez o al teléfono 122 91 96

Información:
fotoseptiembre@lapazbcs.com.mx
fotosensible@live.com.mx

domingo, 19 de julio de 2009

Paraisos contradictorios de Muhlia


GÉNESIS

Mi primer encuentro con Fabián fue hace ya muchos años cuando por primera vez, siendo un adolescente, lo llevó su padre a la Casa de la Cultura para inscribirlo en el taller del Profesor Armando Manríquez. Casualmente estaba ahí y presencié ese encuentro, escuché con mucho agrado como sus padres impulsaban su interés por el arte de forma seria, una ventaja con la que no muchos artistas han contado; un gran inicio ya que por el taller del Profesor Manríquez han pasado muchos de los artistas visuales de este Estado.

Pasó el tiempo y por otra casualidad, o causalidad, he fotografiado gran parte de la obra de Fabián para sus archivos. Y aunque éste ha sido un ejercicio más bien contemplativo, a la larga en mi cerebro funciona como una base de datos interesante para un análisis con bases firmes. Diez años después de esos primeros encuentros con un artista adolescente y emergente me encuentro ahora, nos encontramos, con una especie de síntesis de trabajo en una década, con un creador que ahora, a sus veintisiete años, ha superado la primera etapa de búsqueda puberta para situarse ahora en una encrucijada vital para su carrera.

DE CONTRADICCIONES PARADISÍACAS

El trabajo de Muhlia está lleno de color, de fuerza en el trazo, de tintas directas y pigmentos que brincan fuera del lienzo. Encontramos en sus cuadros reminiscencias obvias de las vanguardias, aquellos movimientos que representaron la ruptura primordial para el arte moderno: algunos manchones impresionistas como nenúfares tropicales, grandes plastas de color sintetistas, figuras delineadas de corte primitivo, referencias cubistas con cierto tono de ilustración de estilo, títulos rimbombantes escondidos en surrealismo; en fin, no queda duda de la influencia del libro de texto, de su interés temprano por aquellos pintores que han transformado el arte. Pero precisamente, aún no cruza el umbral entre el ejercicio de clase, la lección del maestro, para llegar a una tesis propia.

Es difícil encontrar en la obra de Fabián un sentido más allá de la mera forma, el color directo del tubo, la textura. Pareciera que ha tomado sus influencias aún sin digerirlas. El uso de los planos de color y los pigmentos directos de los expresionistas tuvieron un proceso de evolución y no es posible tomar de referencia el mero resultado, es decir, aprender de los artistas consagrados no significa retomar los estilos que los hicieron famosos, sino encontrar la raíz. Es necesario profundizar en los procesos, en los motivos y razones, aprender los códigos, descifrarlos, desmembrarlos y tomar lo que nos es útil; partir de un momento histórico propio.




La obra de Fabián está llena de juventud pero carece de profundidad. Esto no es precisamente un defecto sino una falta de madurez, es por eso que a los 27 años está en esa encrucijada en la que aún puede regresar al auto-análisis y reestructurar su proceso creativo. En primer lugar el artista debe tener algo que decir, una necesidad de expresión primigenia que lo impulse; aún no alcanzo a entender lo que Muhlia quiere decir, no se lee en sus pinturas. Y estoy seguro que debe haber algo porque conozco su pasión por pintar, porque esa es su ventana al mundo.
Hay muchas cosas a su favor y muchos indicadores de que puede ser un creador prolífico. Tiene oficio, su vida gira alrededor de su pintura pero tal vez se ha perdido un tanto en la forma y se desvanece el fondo, corre el peligro de volverse decorativo.

Su grabado nos indica otra dirección, parece que al despojarlo del color, de la pintura matérica, Fabián se concentra en la estructura de su código. Desafortunadamente sólo encontramos tres piezas pero esperamos ver muchas más en el futuro.


LA EXPULSIÓN DEL PARAISO



El arte actual es una síntesis de los últimos 140 años, básicamente de la historia de la rebeldía y la búsqueda: de las vanguardias al surrealismo a la ruptura moderna de medio siglo, al posmoderno, al conceptual, al contemporáneo… Un proceso de evolución que atraviesa por crisis que provocan el cambio, que son reseña y visión de un momento histórico, experimentos con los que el artista busca encontrar sentido a la vida. Entre estos ensayos están por ejemplo el arte objeto, ready made, body paint, performance e instalación. Algunos de estos se transforman y avanzan hasta encontrar un puesto sólido, convertirse en técnicas que embonan y favorecen la expresión de ciertos artistas en ciertos tiempos y espacios. Pero son tentaciones peligrosas que pueden tomarse muy a la ligera.


Muhlia nos presenta por primera vez, en un foro de esta importancia, instalaciones bien intencionadas en las que se aprecia una búsqueda de concepto pero no se logra. Él las presenta como instalaciones aunque son más bien piezas tridimensionales ya que no tienen una relación con el espacio. Es una buena noticia saber que está abierto a experimentar con otras técnicas, en otras dimensiones, girar en otro sentido; eso abrirá su visión y beneficiará sobre todo a su pintura.

Finalmente, la obra de Fabián Muhlia siempre será una exposición a los sentidos. Seguramente podemos esperar de él una evolución que para su segunda década creadora nos sorprenderá con la madurez que sólo se obtiene de la disciplina y el oficio.

La Paz, B.C.S. a 19 de julio de 2009

miércoles, 8 de julio de 2009

Amor y ErOStismos de Efrén Olalde


PRESENTACIÓN

Primer impacto: el título me confunde, amor y erostismos; a pesar de ser un lugar común Efrén lo convierte en un juego de palabras en el que incluye sus iniciales. Y aunque amor y erotismo se confunden en sí mismos yo pienso en una traducción: amor y juegos amorosos; con un sentido sexual que apenas se sugiere. Y ese es el resultado de la exhibición, un juego apenas sugerido entre amor y sexo, más romántico que instintivo, más superficial que profundo… más bien, contenido.

Muchos años de constancia y coherencia con su trabajo han resultado en un material de gran madurez: técnicas depuradas, congruencias temáticas, disciplina, compromiso. Sobresale su calidad y eso lo distingue como uno de los artistas maduros más importantes del estado. Ya no es necesario analizar su trayectoria porque es un hombre con oficio, un artista que dedica su vida a la creación. Él se auto-nombra como un “artesano del color” en un acto de falsa modestia y la intención de obviar su humildad ante el trabajo artístico. Así lo entiendo porque Efrén es un hombre honesto que no tiene pretensiones soberbias, sin embargo, en este punto de su carrera ya no puede escaparse de la responsabilidad de ser un “artista” y actuar en consecuencia, se encuentra en un momento intelectual y material de gran productividad.



DEL COQUETEO AL COITO



Es un romántico incorruptible, tal vez lo que se esperaría de alguien de generaciones anteriores, que encuentra la representación amorosa en la rosa roja, la vela encendida y la copa de vino. Y así hizo la introducción a su exposición, además, con un montaje de presentación sobre el muro principal: una cama con sábanas rojas y lencería dispersa que suponían el amanecer de una noche de pasión exacerbada. Quizá demasiado posado aunque no por eso menos sugerente.


La obra se presentaba por sí misma, digamos que tenía escrito el nombre del autor por todos lados, y no de manera literal sino que Efrén tiene ya un estilo muy definido, identificable. Y me aventuro con esta afirmación tan peligrosa que puede tener doble significado separados por una línea muy delgada: primero, el artista a través de los años va encontrando un estilo, una forma de interpretar la realidad, su imaginación, sus deseos, un resultado que denota madurez cuando este artista nos enfrenta a su interpretación y nos muestra el mundo como nadie más podría hacerlo; el segundo significado sería “predecible”, es decir, que en lugar de que el proceso creativo evolucionó con los años simplemente encontró una fórmula de cierto éxito para la producción de su obra, y eso la hace identificable como “su estilo”. En Efrén, como en todos, la línea que separa ambos es delgada y en ocasiones coquetea con lo predecible, pisa la línea, parece que tropieza pero se mantiene; son la congruencia y honestidad las que soportan el grueso de su trabajo.


Es más bien del otro lado de lo predecible donde Efrén nos queda a deber. Esta sensualidad semi-explícita, tema primordial en la obra del autor, nos presenta siempre la mirada del otro punto de vista, la del voyeur que la disfruta pero no participa, esas imágenes que se antojan pervertidas pero contenidas, un artista que no termina de comprometerse con el tema.



Las esculturas estilizadas, bien pensadas, bien concluidas técnicamente, relacionadas unas con otras formando una serie que las fortalece, me dejan la sensación de que el autor no está diciéndome todo, que hay un poco más que no quiso decir; ¿será pudor, será temor al rechazo del público, será un dejo de moralina con la que la formación judeo-cristiana nos embarra a todos desde que nacemos en este país?


Para el público general su obra es seguramente impresionante, temas prohibidos, materiales perfectamente trabajados (ferro-cemento) y una presentación impecable. Pero los que percibimos la capacidad de Efrén nos sentimos un poco en deuda, no decepcionados porque su obra siempre deja una sensación de satisfacción, pero aún espero el momento en que la obra erótica de Efrén Olalde traspase sus propias limitaciones, llegue verdaderamente a sus últimas consecuencias y de una vez por todas pase del coqueteo ingenuo al coito desgarrado. Creo que Efrén puede darnos, además de candidez, pasión.



Por supuesto, es una recomendación total a enfrentarse a la obra de Efrén Olalde, para encontrar lo que está y lo que no está, para analizarse y volverla a ver, dejar pasar el tiempo, degustarla, digerirla, relacionarla con el resto de su trabajo. Un gusto que no cualquier artista puede darnos.

La Paz, Baja California Sur a 8 de julio de 2009

sábado, 13 de junio de 2009

FOTOSEPTIEMBRE 2009 Baja California Sur



Como causa y efecto de su relativo aislamiento, Baja California Sur ha tenido un proceso especial y diferente en el desarrollo del país:
Por un lado su geografía particular la distingue por su extraordinaria biodiversidad y sus zonas de reserva que han logrado mantenerse apartadas de la contaminación urbana, por lineamientos gubernamentales o por influencia cultural, ya que sus habitantes tienen una relación cercana y recíproca con el ecosistema. Por otro lado, su relación histórica con el resto del país se ha visto matizada por la lejanía con un color particular; es una tierra de inmigrantes en la que se conjuga un mestizaje nacional e internacional que no sucede en otros estados y que produce rasgos culturales específicos y una identidad propia.
En Baja California Sur el ecosistema forma parte integral de la identidad y de su desarrollo social y económico; no podemos desligar el medio ambiente de los procesos culturales, desde sus habitantes originales y sus primeros colonizadores hasta la fecha. Por tanto, la preservación de los recursos naturales así como del patrimonio histórico y cultural es una prioridad, así como la identificación y definición de los límites de la contaminación del medio ambiente y del medio social, lo que se traducirá en criterios de recuperación, desarrollo sustentable y conservación del patrimonio tanto natural como histórico y cultural.
A través de FOTOSEPTIEMBRE, un festival que tiene como base la fotografía, será posible alentar y promover la conciencia en la comunidad y especialmente en los jóvenes para conservar este patrimonio, reconsiderar nuestra relación con el medio ambiente y la importancia histórica y cultural de Baja California Sur dentro del país.
Como base en el análisis estético podremos llegar a la reflexión acerca de nuestro impacto sobre el ecosistema y las consecuencias y posibilidades de recuperación y conservación, a través de un concurso que convoque tanto a niños y jóvenes estudiantes como aficionados y profesionales, e interese a organizaciones dedicadas a la ecología.
En coincidencia con las celebraciones de los Centenarios de la Independencia y Revolución Mexicanas, tendremos el marco ideal para la reflexión sobre la conservación del patrimonio histórico y cultural, nuestra relación e influencia en la vida social del país y las diferencias y similitudes que nos incluyen en un marco de identidad nacional.

Comité organizador de FOTOSEPTIEMBRE Baja California Sur
INSTITUTO SUDCALIFORNIANO DE CULTURA
UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BAJA CALIFORNIA SUR


Del cadáver exquisito a la fosa común


[Sobre la gráfica y sus posibilidades discursivas en el arte actual y la obra colectiva “Intervención”]






PRIMERA PARTE: El enterrador

En algún momento y por alguna extraña razón, Julieta decidió enfrentarse a la tediosa tarea de reunir muchos artistas para una obra colectiva. Si pensar en convocar a cualquier grupo de personas en cualquier área del quehacer humano requiere un ejercicio extraordinario de paciencia, enfrentarse a la labor de agrupar artistas con un fin común, a sus egos y sus inseguridades, es sólo de valientes y atrevidos, como Julieta. Condiciones aquellas dos, ego e inseguridad, básicas en el proceso creativo y el desarrollo creador del artista; condiciones que, desafortunadamente, lo alejan rutinariamente del trabajo colectivo. Es una carga de por si pesada encontrar un camino eficiente y claro para uno mismo como para pensar en las necesidades de un grupo, que funciona a su vez como un ente individual, en el que uno forma parte.

Sin embargo, y para fortuna de esa misma capacidad creadora individual, es común que de forma voluntaria, intencional o accidental a lo largo de la vida de repente nos encontremos como el engrane de una de estas maquinarias de trabajo colectivo.
Pero, ¿por qué convocar a la obra colectiva? Como el director de orquesta, de teatro o de cine que juega con los estímulos y las tentaciones en un camino de ida y vuelta para conjuntar finalmente las capacidades de otros. Y digo conjuntar no con un sentido de almacenamiento, de tomarlo todo y ponerlo en un recipiente, archivado, sino conjuntar en el sentido matemático. Es decir, encontrando y provocando al mismo tiempo las intersecciones, las uniones, las diferencias, las relaciones lógicas y las inconscientes.


Y este concierto que nosotros ya escuchamos con todos los instrumentos coordinados debe tener un principio […] los conceptos no existen ya hechos, […] es necesario fabricarlos. Y no se fabrican así como así, uno no se dice un día: “Bueno, voy a hacer tal concepto, voy a inventar tal concepto” […] Es imprescindible que exista una necesidad. […] Tiene que haber una necesidad, si no, no hay nada[1]. Y supondríamos que los proyectos colectivos parten de una necesidad colectiva, pero esa necesidad tendría que ser identificada para actuar en consecuencia.
Este proyecto tiene dos conceptos originales que parten de necesidades diferentes. Una de ellas es la del trabajo colectivo y la interrelación con otros artistas, la otra es la creación de un libro, un libro de artista. Esta combinación de proyectos seguro están cubriendo necesidades personales o colectivas pero identificadas y aprovechadas como estímulos por Julieta.


SEGUNDA PARTE: Los muertitos o la exquisitez del cadáver


El cadáver exquisito es una composición cooperativa entre varios individuos, para la creación de una obra a partir de sus colaboraciones, que contenga elementos o trozos de cada uno de ellos y que permita crear una obra única a partir de –quizá- diferentes intencionalidades.
[2]

El proceso creativo supone la solución de un problema, la resolución de un conflicto, la interpretación o re-interpretación. Entonces, tomando como soporte una base de datos y experiencias, una estructura cultural, social, familiar e incluso genética, el artista se enfrenta al estímulo, este choque provoca el conflicto y la solución a este conflicto resultará en la obra.

Este trabajo tiene soluciones en diferentes niveles, resultados de algunos conflictos intencionales y otros al azar. Es esto lo que le da cierto carácter de cadáver exquisito, este recurso salido del surrealismo y utilizado hasta el cansancio como experimentación durante casi un siglo, pero como muchas de las propuestas originales del surrealismo que no se convirtieron en obras de arte por sí mismas sino como la apertura, el descubrimiento y la trasgresión que permitieron al artista alcanzar nuevos niveles.

La historia de este muertito comienza con la autora tomando fotos de su pueblo natal, los lugares que le traen recuerdos, los espacios modificados, los que ahora encuentra “intervenidos” por la modernidad y el progreso, la invasión, la nostalgia. Y estas fotos se filtran en un laboratorio digital donde la autora juega con esas sensaciones y las convierte en estampas, gráficas en blanco y negro, sin profundidad y casi sin tiempo. Y estas gráficas, premeditada o azarosamente llegan a las manos de otros artistas; es en ese momento que el estímulo se diversifica según la relación de este artista con la imagen original de la gráfica y donde toda una combinación de experiencias se transforma en nuevas estructuras que son la solución a nuevas necesidades.

Y finalmente, la obra en su totalidad es una obra en sí, todos estos pequeños cadáveres que se relacionan unos con otros, se contrastan, se complementan, se enfrentan en una especie de fosa común donde pierden su referencia individual y ganan una identidad colectiva.

Es por eso que encuentro un gran valor en el sentido experimental del proyecto, porque en toda experimentación, incluso en la ciencia, el mérito no está en inventar lo que nunca ha existido, eso es prácticamente imposible, sino en tomar lo existente y conjugarlo, mezclarlo, mutilarlo para encontrar nuevos resultados que solucionen necesidades nuevas.


TERCERA PARTE: El velorio


Y al final, ¿quién es el responsable del muertito? Es otro planteamiento que propone Julieta en este proyecto, la autoría de la obra. En mi opinión, al final la obra habla por sí misma para dejar en segundo plano al autor. El proyecto trasciende más allá de ella, en su convocatoria, en el producto resultante.



¿Y cuáles son las posibilidades de la gráfica en el arte actual? Esta obra ya plantea una respuesta a esta pregunta, ya exploró las posibilidades de la gráfica más allá de su resultado intrínseco como pieza única o como cliché. Primero tendríamos qué plantearnos: ¿qué es el arte actual?

Fernando Sánchez Bernal
La Paz, Baja California Sur, México
Noviembre de 2008





[1] ¿Qué es el acto de creación?, Conferencia dada por Gilles Deleuze en la cátedra de los martes de la fundación FEMIS. 1987 http://proyectotrama.org/00/trama/SaladeLectura/index.html
[2] www.literaturalibre.com/2007/12/30/cadaver-exquisito-creacion-colectiva/